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## Tour
### Beschreibung
tour.description = Entwegte Landschaft und Blue Marble
### Titel
tour.name = KMT Schnider/Fägerskiöld
## Skin
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HTMLText_174C9FD8_3A1D_C9FD_41C1_EC6E3D1CCA53_mobile.html = ALBRECHT SCHNIDER
ENTWEGTE LANDSCHAFT
Albrecht Schnider lebt heute in Hilterfingen bei Thun.
Vorher war er lange Zeit im Ausland (Italien, Brüssel, Berlin).
Das Thema Land-schaft ist wichtig in seinem Werk.
Er malte viele Bilder extra für die Ausstellung.
PAUL FÄGERSKIÖLD
BLUE MARBLE
Paul Fägerskiöld ist ein Künstler aus Schweden.
Er lebt in der Haupt-stadt Stock-holm.
Die Kunst-werke sind zum Thema Land-schaft ausgewählt.
Wir denken vielleicht an Bilder von grünen Wiesen, Bergen und Tieren.
Doch Paul Fägerskiöld interessiert mehr:
Stadt, Länder, Himmel und die ganze Welt.
Der Künstler weiss:
Der Mensch beherrscht heute überall die Natur.
Impression (RAUM D)
Paul Fägerskiöld hat ein berühmtes Bild im Kopf.
Es heisst Impression und ist von Claude Monet.
Das Bild zeigt einen Sonnen-aufgang im Hafen.
Die Sonne spiegelt sich im Wasser.
Der Künstler malt das gleiche Thema.
Aber nur das Wichtigste in zwei Bildern.
Die runde Sonne und die Wasser-fläche.
Andere Bilder sind auch reduziert.
Sie entstehen aus zwei Farben und wenigen Formen.
Was könnten sie dar-stellen?
Paul Fägerskiöld
Spirit in the Sky (Raum F)
Der Titel bedeutet: ein Geist im Himmel.
Hier hat der Geist die Form von einem Kampf-flug-zeug.
Sein Name ist Spirit.
Das Kampf-flug-zeug kann schwer ent-deckt werden.
Das Flugzeug ist als abstrakte* Form gemalt.
Mit den bunten Farben gibt es eine neue Be-deutung.
*abstrakt
Ein abstraktes Bild zeigt nur Farben und Formen.
Paul Fägerskiöld
Spray-bilder (Raum E)
Zuerst sehen wir Grau.
Wir treten näher.
Viele Punkte tauchen auf.
Viele Punkte heisst Viel-falt.
Unser Leben ist Viel-falt.
Ohne Viel-falt leidet die Natur.
Der Mensch greift ein.
Alles gerät ausser Kontrolle.
Unsere Umwelt hat Probleme.
Nicht alles ist sicht-bar
wie die Spray-schichten.
Eine Schicht wird von der nächsten Schicht verdeckt.
Paul Fägerskiöld
The Greatest Story Ever Told (Raum F)
Der Titel heisst:
Die grösste Geschichte, die je erzählt wurde.
Was kann das sein?
Es ist die ganze Welt.
Links sehen wir in den Himmel.
In der Mitte ist die Sonne.
Alles dreht sich um die Sonne.
Rechts sind wir im Welt-raum.
Es ist der Blick zurück auf die Erde.
Dieses Bild gibt der Ausstellung ihren Titel:
Blue Marble.
Das heisst: Blauer Marmor.
Das ist der Titel einer besonderen Foto-grafie.
Das Foto entstand 1972.
Menschen flogen ins All
und fotografierten die Erde.
Sie sieht aus wie blauer Marmor.
Paul Fägerskiöld
My life in the woods (Raum F)
Der Titel sagt:
Mein Leben im Wald.
Das bedeutet eigentlich ein Leben in der Wildnis.
Doch der Künstler lebt in der Stadt.
Er sammelt Zeichen auf dem Weg ins Atelier.
Zum Beispiel ein Adler oder ein Mensch mit Esel
Was ist eine Land-schaft?
Der Künstler sieht Land-schaft auch in der Stadt.
Paul Fägerskiöld
Sternen-himmel (Raum F)
Wir sehen Sternen-himmel.
Der Künstler benutzt ein Computer-programm für diese Bilder.
Das Programm be-rechnet jeden Sternen-himmel.
Egal ob in der Vergangen-heit oder in der Zukunft.
Und überall auf der Welt.
Der Künstler malt verschiedene Sternen-himmel.
Zum Beispiel Stockholm in vielen Jahren.
Paul Fägerskiöld
Weisse Fahnen (Raum G)
Ein Land besteht aus Land-schaften.
Jedes Land gibt sich eine Fahne.
Paul Fägerskiöld malt viele Fahnen.
Er lässt die Farben weg.
Alle sind weiss.
Und doch sind alle anders.
Wir sehen Zeichen.
Zum Beispiel eine Sonne oder einen Hammer.
Welche Zeichen passen zu unserem Land?
Paul Fägerskiöld
Biographie
Paul Fägerskiöld ist 1982 in Stockholm geboren, wo er zurzeit lebt und arbeitet. 2010 schloss er sein Studium an der Royal Art Academy mit einem zweijährigen Austauschprogramm an der Akademie der bildenden Künste in Wien ab.
Einzelausstellungen umfassen u. a. Galerie Nordenhake, Stockholm und Mexico City (2020), Peter Blum Gallery, New York und Borås Konstmuseum, Borås (2019) sowie Jönköping County Museum, Jönköping und Prince Eugen´s Waldermarsudde, Stockholm (2018).
Seine Werke wurden in mehreren Gruppenausstellungen in Europa und Indien gezeigt. 2018 erhielt er den Åke Andrén Foundation’s Art Grant, 2015 The Swedish Art Grants Committee Working Grant, 2013 wurde sein Werk mit dem Fredrik Roos Award ausgezeichnet.
Zur Ausstellung erscheint eine Publikation (DE / EN) mit Beiträgen von Helen Hirsch, Katrin Sperry und John Tremblay, herausgegeben vom Kunstmuseum Thun und dem Verlag für moderne Kunst.
ALBRECHT SCHNIDER
ENTWEGTE LANDSCHAFT
Albrecht Schnider (*1958, Luzern) ist vor zwei Jahren aus Berlin nach Hilterfingen, dem Heimatort seiner Frau, in die Schweiz zurückgekehrt. Dieses «Heimkommen» spiegelt sich in seinem neueren Schaffen und stellt das Thema Landschaft in den Vordergrund. Die Auswahl von figürlichen und landschaftlichen Motiven vermittelt als konzentriertes und dialogisches Ensemble einen Überblick über das aktuelle Schaffen Schniders, der zu den wichtigen Protagonisten der Schweizer Malerei gehört.
PAUL FÄGERSKIÖLD
BLUE MARBLE
Die erste Museumsausstellung des schwedischen Künstlers (*1982 in Stockholm) in der Schweiz konzentriert sich auf sein malerisches Œuvre der letzten Jahre. Fägerskiölds künstlerische Sprache, die sich in der Tradition der Landschaftsmalerei verortet, geht zurück auf aktuelle tiefgründige Fragen zur Menschheit und ihrer Rolle im Universum. So realisierte er jüngst die dichte monochrom gemalte Serie Starry Night, die einerseits auf eines der wichtigsten Bilder Van Goghs, Starry Night, anspielt, das anlässlich seines Aufenthaltes in der Nervenheilanstalt 1889 entstand und andrerseits auf die gleichnamige Astronomie Software anspielt. Dieses Programm macht es u.a. möglich, in Zeitraffer ein Bild des Firmamentes zurzeit Christi Geburt oder in der Zukunft zu errechnen und anzuzeigen. Mit diesem Programm antizipiert Fägerskiöld in einer Arbeit Stockholms Sternenhimmel in 10’000 Jahren und zeigt ein Bild des Firmamentes, das jegliche menschliche Vorstellung übertrifft.
ALBRECHT SCHNIDER: ENTWEGTE LANDSCHAFT
PAUL FÄGERSKIÖLD: BLUE MARBLE
29. Mai bis 15. August 2021
Paul Fägerskiöld
Impression
Paul Fägerskiöld hat ein berühmtes Bild im Kopf.
Es heisst Impression und ist von Claude Monet.
Das Bild zeigt einen Sonnen-aufgang im Hafen.
Die Sonne spiegelt sich im Wasser.
Der Künstler malt das gleiche Thema.
Aber nur das Wichtigste in zwei Bildern.
Die runde Sonne und die Wasser-fläche.
Andere Bilder sind auch reduziert.
Sie entstehen aus zwei Farben und wenigen Formen.
Was könnten sie dar-stellen?
Paul Fägerskiöld
Sternenhimmel (Raum F)
Mit Hilfe der Software «Starry Night» berechnet Fägerskiöld vergangene, zukünftige und fingierte Ansichten des Sternenhimmels. Sie zeigen Blickwinkel, die für den Künstler von Relevanz sind.
Dazu gehört die Abbildung seiner Geburtsstadt Stockholm. Stockholm. 1st January 100 000. North (2020) und Stockholm. 1st January 100 000. South (2020) stellen fiktionale Ansichten dar, die wir niemals selbst erleben werden, noch können wir erahnen, wie sich die Erfahrung in 97’979 Jahren niederschlagen wird. Inspiration findet Fägerskiöld in den Stockholmer Stadtansichten des schwedischen Malers Eugène Fredrik Jansson (1862–1915). Auf dessen bekanntestem Werk Riddarfjärden i Stockholm (1898) befindet sich am Horizont eine rote Linie, der nachgesagt wird, dass sie den Betrachter*innen einen Blick in die Ewigkeit gewährt.
Für den Künstler bieten die Sternenhimmel zudem die naheliegendste Möglichkeit, um mit Künstler*innen oder Autor*innen in Dialog zu treten.
Davon zeugt Monastery of Saint-Paul de Mausole, Saint-Rémy-de-Provence. Night between 17–18th June 1889. View east-southeast (2020) als Paraphrase einer der wichtigsten Arbeiten Vincent van Goghs (1853–1890). Das Werk trägt – wie könnte es anders sein – den Titel Starry Night und zeigt den Blick aus dem Fenster des Sanatoriums, in dem sich der niederländische Maler 1889 aufhielt.
IMPRESSUM
AUSSTELLUNG
Direktorin und Kuratorin: Helen Hirsch
Ausstellungsorganisation: Alisa Klay
Administration: Marianne Lutz
Finanzen: Tanja Hählen
Kommunikation: Matthias Schweizer
Kunstvermittlung: Saba Bach, Regula Brassel, Elisa Dauber, Gabi Moshammer, Olivia Notaro, Anna-Lisa Schneeberger
Ausstellungsaufbau: Renato Grob, Kathrin Hofmann, Marius Lüscher, Dan Reusser, Mirjam Sieber, Till Spinnler und Team,
Simon Stalder, Henry Thomet, Daniel Wettstein und Team, Patrizia Zeppetella
Grafikdesign: Bonsma & Reist
Mit grosszügiger Unterstützung von:
Stadt Thun
Amt für Kultur Kanton Bern
Regionale Kulturkonferenz Thun
---
Technischer Kontakt Virtueller Rundgang :
Martin Schlichenmayer, Thunstrasse 27, 3074 Muri b. Bern
+41 76 803 23 89 / martin@schlichenmayer.ch
im Auftrag von :
Kunstmuseum Thun, Hofstettenstrasse 14, 3602 Thun
Vertretungsberechtigte Person: Helen Hirsch, Direktorin
Haftungsausschluss
Der Autor übernimmt keinerlei Gewähr hinsichtlich der inhaltlichen Richtigkeit, Genauigkeit, Aktualität, Zuverlässigkeit und Vollständigkeit der Informationen.
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Die Urheber- und alle anderen Rechte an Inhalten, Bildern, Fotos oder anderen Dateien auf dieser Website, gehören ausschliesslich dem Kunstmuseum Thun. Für die Reproduktion jeglicher Elemente ist die schriftliche Zustimmung des Urheberrechtsträgers im Voraus einzuholen.
Martin Schlichenmayer hat diese Webseite konzipiert, realisiert und betreibt das Hosting der Seite im Auftrag des Kunstmuseum Thun. Die alleinige Verantwortung trägt daher das Kunstmuseum Thun.
Quelle: SwissAnwalt
Paul Fägerskiöld
The Greatest Story Ever Told (Raum F)
Das monumentale Triptychon verbindet die Werkgruppen der Ausstellung miteinander und bezieht sich sowohl auf die Landschaftsdarstellung als auch auf den Sprachgebrauch. Der Titel lässt sich folgendermassen entschlüsseln:
THE = die Spezifizierung eines gewissen Etwas
GREATEST = etwas in Relation zu etwas anderem sehen und bewerten oder Grundlage von nationalem Denken
STORY = eine fiktionale Geschichte
EVER = ein abgestecktes Zeitfenster
TOLD = der Akt des Erzählens.
Gleichzeitig referiert er auf den US-amerikanischen Monumentalfilm Die grösste Geschichte aller Zeiten (1965) von George Stevens, der die Geschichte von Jesus von Nazareth erzählt. In seinen Dimensionen lehnt es sich an das traditionelle Filmformat an. Wie drei grosse Leinwände, die als Ouvertüre, Pause und Ende gelesen werden können, zeigen sie unterschiedliche Perspektiven auf. Das Gemälde zur Linken gibt den Blick in den Himmel frei. Gleichzeitig verweist die Anordnung der Sterne auf die Struktur der amerikanischen Flagge und nimmt damit Bezug auf die gegenüberliegenden weissen Fahnen. Das mittlere deutet auf die Sonne hin, um die sich alles dreht. Das rechte Bild führt den Blick zurück auf die Erdkugel und verweist wiederum auf den Ausstellungstitel Blue Marble: den Namen jener Fotografie, die uns Menschen um 1972 erstmals eine distanzierte Perspektive auf die Erdkugel gewährte und damit ihre verwundbare Schönheit offenbarte. Dieser gewaltige Sichtwechsel erlaubte uns, neue Perspektiven einzunehmen und Gegebenes zu hinterfragen.
Paul Fägerskiöld
Spirit in the Sky (Raum F)
Aufmerksame Beobachter*innen werden das abgebildete Symbol wiedererkennen. Situiert in der Mitte einer farbigen Fläche erscheint die grafische Umsetzung des Modells Northrop B-2 Spirit: ein strategischer Bomber und wohl das bisher teuerste Kampfflugzeug der Welt, dessen Konstruktion dermassen optimiert ist, dass es – wie ein Geist (Deutsch für «Spirit») – in der Luft nur sehr schwer entdeckt und bekämpft werden kann.
Spirit in the Sky ist zugleich der Songtitel (1969) des US-amerikanischen Musikers Norman Greenbaum. Während Greenbaum die Hoffnung besingt, nach seinem Ableben in den Himmel aufgenommen zu werden, steht Northrop B-2 für eine menschengemachte, tödliche Flugmaschine.
Dieses unbehagliche Feld von Assoziationen wird durch den schiefen Bildhorizont verstärkt – analog zum Indikator des digitalen Sterbens in Computerspielen.
Paul Fägerskiöld
Weisse Fahnen (Raum G)
Sinnbildlich für Heimat oder Vaterland stehend, bringt der Landschaftsbegriff auch eine patriotische Gesinnung zum Ausdruck, die in den weissen Flaggen (2016 – fortlaufend) erkennbar wird. Durch die monochrome Darstellungdurchbricht Fägerskiöld deren Referenzsysteme.
Was passiert, wenn die Flaggen dem Zweck der visuellen Übertragungvon Information über die Distanz enthoben werden? Nicht die Abbildung von Landschaft steht hier im Zentrum, sondern das Nachdenken darüber, wie wir mit Hilfe von Sprache und Bildgebung Landschaft als Lebensraum kreieren.
Paul Fägerskiöld
Spraybilder (Raum E)
Die aus der Entfernung grau glänzend erscheinenden Gemälde gewinnen erst bei genauerer Betrachtung an Lebendigkeit. Sie bestehen aus unzähligen blauen, roten und grünen Punkten, die mit den Bewegungen der Betrachter*innen in Beziehung stehen. Innerhalb der Werkgruppe versinnbildlichen die Punkte die Vielfalt der Existenz, die wir erst durch das Herauszoomen erfassen und überblicken können. Während wir Zeit in Form von Bewegungsabläufen konstruieren, vermag eine solche Aussenperspektive gar einen Moment der Zeitlosigkeit zu schaffen.
Darüber hinaus verweist der Titel auf das Sachbuch Silent Spring (dt. Der stumme Frühling) der US-amerikanischen Biologin und Wissenschaftsjournalistin Rachel Louise Carson (1907–1964). Dieses einflussreiche Werk, in dem sie den Einsatz von Pestiziden kritisiert, der weite Teile der Tier- und Pflanzenwelt zerstört hat, wird als Ausgangspunkt der weltweiten Umweltbewegung angesehen. Carson zeigt auf, dass das menschliche Eingreifen in die Natur zu unüberschaubaren Kettenreaktionen geführt hat. Analog dazu führt die Spraytechnik in Fägerskiölds Gemälden zu einer solchen Verdichtung, dass die darunterliegenden Schichten nicht mehr erkennbar sind.
Paul Fägerskiöld
Diptychon (Raum D)
Die ausgestellten Arbeiten, die in ihrem Aufbau an Diptychen erinnern, lehnen sich an das Gemälde Impression, Sonnenaufgang (1872) des französischen Malers Claude Monet (1840–1926) an. Dieses bildet einen Hafen ab, während sich die Sonne orange im Wasser spiegelt.
Bei diesem vorwiegend in Violett und Blau gehaltenen Bild verzichtete Monet auf Komposition und räumliche Wirkung und konzentrierte sich auf die unverfälschte Wiedergabe eines atmosphärischen Eindrucks.
Fägerskiöld übernimmt die dualistische Beziehung von Sonne und Spiegelung auf flachem Grund. Auf die grafischen Elemente reduziert und nebeneinander gehängt entwickeln sie beinahe eine eigene Zeichensprache.
Paul Fägerskiöld
Natur versus Kultur (Raum F)
Die grossformatige Arbeit My Life in the Woods (after Bellini’s St. Francis in the Desert) (2018) besteht aus zwölf Leinwänden mit jeweils einer Zeichnung: Zu sehen sind ein Stern, ein Adler, die gesprayte Zahl 187, ein Handabdruck oder eine Art Flugobjekt.
Den urbanen Lebensraum als Teil der heutigen Landschaft verstehend, sammelte Fägerskiöld Zeichen und Symbole, denen er in seinem täglichen Bewegungsspielraum zwischen Wohnung und Atelier immer wieder begegnet und dadurch Bedeutung verleiht.
In Beziehung zueinander entwickeln sie ein Narrativ, das auf die persönliche Wahrnehmung von Landschaft aus der Perspektive ihres Sammlers verweist. Auch verweist Fägerskiöld auf das Buch Walden oder Leben in Wäldern des amerikanischen Schriftstellers und Philosophen Henry David Thoreau (1817–1862) und dessen nicht lineare Erzählweise. Gleichzeitig zitiert er das Werk Der heilige Franziskus in der Wüste (ca. 1476–1478) des venezianischen Malers Giovanni Bellini (um 1430/35–1516). Ihnen gemeinsam ist das zurückgezogene Dasein eines Menschen in der Wildnis und die damit einhergehende Unterscheidung zwischen Zivilisation und Natur.
Paul Fägerskiöld – Blue Marble
29.5. - 15. 8. 2021 – Einleitung
In seinen Arbeiten untersucht Paul Fägerskiöld (* 1982 in Stockholm, lebt und arbeitet in Stockholm) aktuelle, tiefgründige Fragen zur Menschheit und ihrer Rolle im Universum. Darin finden sich zahlreiche Referenzen zur Kunstgeschichte, Physik, Astronomie, Geschichte oder Science-Fiction, die jeweils unterschiedliche Lesearten zulassen. Zu sehen sind Werkgruppen, die zueinander in Beziehung stehen. Gemeinsam bilden sie ein Netz aus Symbolen und Narrativen, welches die Besucher*innen dazu auffordert, ihre eigenen Geschichten zu kreieren.
Der Begriff «Landschaft» bildet das Grundgerüst der Ausstellung. Fägerskiöld versteht Landschaft als einen Ort, an dem das soziale Milieu, der Habitus, die Sprache oder die persönliche Perspektive stets in gleichem Masse mit einfliessen – Faktoren, die uns Menschen vor Ort betreffen und beeinflussen.
Er wirft die Frage auf, wie Landschaftsmalerei in der heutigen Zeit aussehen kann – im Anthropozän, in dem der Mensch mitsamt seinem technologischen Fortschritt zum wichtigsten Einflussfaktor für die Prozesse der Erde geworden ist und sogar die Herrschaft über die Natur anstrebt.chaffen ab und verweisen auf sein vielfältiges Œuvre.
Albrecht Schnider
Landschaften (Raum C)
Schniders Landschaftsbilder sind von Widersprüchen durchzogen. Die grünen Hügel und Berge können überall und nirgends sein – jegliches natürliche Charakteristikum, welches auf eine spezifische Landschaft schliessen lässt, bleibt den Betrachtenden verwehrt. Sind es Wiesen oder Wälder, die die sanften Bergrücken überziehen? Die Unbestimmtheit der Landschaft suggeriert den Anschein eines verschwommenen Blickes. Und doch sind da diese klaren, bis zur Perfektion ausgearbeiteten Linien, die Fläche um Fläche umreissen, voneinander abgrenzen und dadurch die Landschaft Baustein für Baustein entstehen lassen. Wie kann eine Landschaft so heimisch und fremd zugleich erscheinen?
Die immergrünen Höhenzüge kennen weder Jahres noch Tageszeit. Lediglich die in zarte Violett-Töne getauchten Bergkuppen am Horizont mögen uns an die Existenz der Sonne und den Übergang zwischen Tag und Nacht erinnern. Die Betrachtenden werden regelrecht in diese unerklärliche Helle hineingezogen – in die Auflösung, in das Nichts, das den Eindruck von Unendlichkeit vermittelt. Das satte, strotzende Grün kontrastiert mit der augenscheinlichen Verlassenheit und Leere der Landschaft. Man fühlt sich ungewohnt verloren, wie allein zurückgelassen – so stellt sich einerseits Unbehagen und Besorgnis ein, andererseits evoziert Schniders Naturdarstellung aber auch das beruhigende Gefühl von Geborgenheit und Idylle.
Dennoch bleibt das Verhältnis des Künstlers zum Bildmotiv immer abstrakt. Seine Landschaften treten als Erinnerungsbilder in Erscheinung, welche die Vagheit des Zurückblickens und den damit verbundenen neutralen Blick verdeutlichen. Der Titel der Ausstellung Entwegte Landschaft umschreibt deren zeitloses Auftreten auf eindrucksvolle Weise. Man findet keinen Weg in sie hinein, man schwebt vielmehr über dieser unrealen, gar übersinnlichen Landschaft und lässt sich eher von ihr umhüllen als sie zu begehen. Auf diese Weise erscheinen die Bilder, trotz ihres demonstrativ ausschnitthaften Charakters, grenzenlos und vollkommen. Das Wort «entwegt» verdeutlicht den Eindruck der unberührten Landschaft, die weder Wege noch Pinselspuren aufweist und spielt zudem durch seine Wortherkunft (ursprünglich schweizerisch) leise, aber unverkennbar auf das «Heimkommen» des Künstlers in die Schweiz an.
Albrecht Schnider
Biographie
Albrecht Schnider (*1958 in Luzern, lebt in Hilterfingen bei Thun und arbeitet in Hilterfingen und Zürich) wuchs in Sörenberg auf. Nach dem Studium an der Schule für Gestaltung und der Universität Bern 1982–1987, folgten längere Aufenthalte in Follonica (1989–1990), Rom und Florenz (1990–1992; Membro dell’ Istituto Svizzero) sowie Brüssel (1992–1998).
1998 zog er nach Berlin, wo er bis zu seiner Rückkehr in die Schweiz im Frühjahr 2018 lebte.
Seit 2005 ist Schnider zudem als Dozent für Malerei an der Hochschule der Künste Bern (HKB) tätig.
Der Künstler erhielt zahlreiche Auszeichnungen und Stipendien und ist in renommierten Galerien im In- und Ausland vertreten. Seine Werke wurden bereits in zahlreichen internationalen Einzel- sowie Gruppenausstellungen gezeigt und sind in vielen namhaften Kunstsammlungen gegenwärtig.
Zur Ausstellung erscheint die Publikation: Albrecht Schnider. Entwegte Landschaft, Kunstmuseum Thun (Hg.), mit einem Vorwort von Helen Hirsch und Texten von Angelika Affentranger-Kirchrath und Susanna Koeberle, Edizioni Periferia, Sarnen 2021. ISBN 978-3-907205-24-2
ACRYLLACKBILDER AUF ROHLEINWAND (RAUM B, G)
Ein Charakteristikum in Albrecht Schniders Werken ist die Leere, die seine Kompositionen bestimmt und in den freigelassenen Bereichen, aber auch in der Unbestimmtheit der wie gedruckt erscheinenden Farbflächen zum Ausdruck kommt. Der Künstler setzt sich auf diese Weise mit der Schwierigkeit des Bildermachens und der Thematik auseinander, was ein Bild überhaupt ist. Die leere Leinwand als Ausgangspunkt aller Werke tritt hier als Subjekt in Erscheinung, welches nach dem Sinn und der Notwendigkeit eines jeden Pinselstriches fragt. Gleichzeitig lässt Schnider aber auch Raum für Reflexionen und fordert die Rezipient*innen in Anbetracht der ihnen entgegenspringenden Leere dazu auf, die Leinwand mit eigenen Gedanken, Vorstellungen und Assoziationen zu füllen.
Der Kontrast zwischen der glatten Farbfläche und dem rauen Leinen erzeugt eine augenscheinliche Spannung, sodass zuweilen der Eindruck erweckt wird, als würden die gemalten Felder vor der Leinwand schweben und einen zweiten Bildraum eröffnen (Ohne Titel (Anselm), 2020 → 1). Mal erscheint die rohe Leinwand als Hintergrund, mal springt uns die Struktur des Leinens regelrecht entgegen oder integriert sich in das Bildmotiv. Das Wechselspiel von Vorder- und Hintergrund, Farbe und Leinwand, Form und Leere, lässt die statisch wirkenden Gebilde vor dem geistigen Auge der Betrachtenden zu lebendigen Objekten werden. Dies wird besonders bei dem Werk «Ohne Titel (E), 2020», → 2) deutlich. Zweifelsohne erkennen wir in manchen Bildern – trotz ihrer abstrakten Erscheinungsweise – Figuren, Tiere, Buchstaben oder Zahlen. Durch Farbgebung und mitunter im Bildtitel gibt Schnider vage Hinweise, die das Erkennen von vertrauten Motiven begünstigen (Ohne Titel (Selbst), 2020, → 3; Ohne Titel, 2020, → 4).
Albrecht Schnider
Acryllackbilder (Raum A, B, G, H)
Die grösseren Lackbilder erinnern in ihren abstrakten Formengebilden an die kleineren Acryllackbilder auf Rohleinwand (Ohne Titel (Löu), 2021). Allerdings wird den Betrachtenden hier der Blick auf den freien Malgrund verwehrt, auch wenn die weiss ausgefüllten Bereiche durchaus auf die leere Leinwand anspielen. Der grau-metallische Hintergrund scheint die vor- und zurückspringenden Muster statisch festhalten zu wollen (Ohne Titel, 2021).
Auf diese Weise vermag Schnider den bereits beschriebenen Kontrast zwischen der bildeigenen Unbewegtheit und der imaginären Dynamik der Formengebilde noch zu intensivieren. Die Divergenz findet sich auch in der Linienführung der Bilder wieder. Während die geschwungenen, runden Linien Bewegung suggerieren, erscheinen die Geraden wie Unterbrechungen, die den wandernden Blick der Betrachtenden festzuhalten versuchen (Ohne Titel, 2020).
Während bei den kleineren Acryllackbildern die Unterscheidung von Vorder- und Hintergrund durch den Kontrast zwischen Leinen und Farbe deutlicher zu erkennen ist, wird der Eindruck von Tiefenräumlichkeit bei den grösseren Lackbildern durch die einheitliche Oberflächenbeschaffenheit erschwert. Trotzdem wirken die zweidimensionalen Formenkonstruktionen zuweilen wie raumgreifende, gar skulpturale Muster (Ohne Titel, 2016).
ACRYLLACKBILDER (RAUM A, B, G, H)
Die grösseren Lackbilder erinnern in ihren abstrakten Formengebilden an die kleineren Acryllackbilder auf Rohleinwand (Ohne Titel (Löu), 2021, → 5). Allerdings wird den Betrachtenden hier der Blick auf den freien Malgrund verwehrt, auch wenn die weiss ausgefüllten Bereiche durchaus auf die leere Leinwand anspielen. Der grau-metallische Hintergrund scheint die vor- und zurückspringenden Muster statisch festhalten zu wollen (Ohne Titel, 2021, → 6). Auf diese Weise vermag Schnider den bereits beschriebenen Kontrast zwischen der bildeigenen Unbewegtheit und der imaginären Dynamik der Formengebilde noch zu intensivieren. Die Divergenz findet sich auch in der Linienführung der Bilder wieder. Während die geschwungenen, runden Linien Bewegung suggerieren, erscheinen die Geraden wie Unterbrechungen, die den wandernden Blick der Betrachtenden festzuhalten versuchen (Ohne Titel, 2020, → 7). Während bei den kleineren Acryllackbildern die Unterscheidung von Vorder- und Hintergrund durch den Kontrast zwischen Leinen und Farbe deutlicher zu erkennen ist, wird der Eindruck von Tiefenräumlichkeit bei den grösseren Lackbildern durch die einheitliche Oberflächenbeschaffenheit erschwert. Trotzdem wirken die zweidimensionalen Formenkonstruktionen zuweilen wie raumgreifende, gar skulpturale Muster (Ohne Titel, 2016, → 8).
STUDIEN UND ZEICHNUNGEN (RAUM A, H, G)
Die Relation von Zeichnung und Malerei ist für Albrecht Schnider von grosser Bedeutung. Seine Studienhefte, -bücher und -kartone erscheinen wie gezeichnete Gedanken und bilden den Schlüssel zu seinen Werken. Somit ermöglichen sie eine vertiefte Auseinandersetzung mit seiner Kunst.
«Es geht nicht darum, einen Gedanken zu verwirklichen oder eine präzise Form zu realisieren, die man in sich trägt... Es geht wirklich nur darum, offen zu sein und bereit zu sein, ‹ja› zu sagen, wenn eine Form auftaucht.»1 Die Aussage des Künstlers verdeutlicht, dass virtuose Zusammenspiel von Zufall, Intuition und Konstruktion (s. Acryllackbilder auf Rohleinwand). Die Verwendung und Bearbeitung einer zufällig auftretenden Form – das Erschaffen eines Bildes aus einer unbestimmten Linie, welches auch als die Beseelung eines Augenblicks umschrieben werden kann – erfordert ein höchst aufgeschlossenes und sensibilisiertes Wahrnehmungsempfinden.
Für Schnider, der stets auf der Suche nach dem einen Moment ist, in dem das Bild «zurückschaut» und etwas auszulösen vermag, stellen die Zeichnungen den Fund der Komposition, die Erscheinung des späteren Bildes, dar. Dieser Fund kann nur durch Wiederholung und Zufall entstehen. Eine Ausnahme bildet das zeichnerische Werk zum Thema Landschaft. Das umfangreiche Studienmaterial umfasst erste skizzenhafte Entwürfe, die immer präziser ausgearbeitet werden und letztendlich als genaue Vorlage für die Umsetzung dienen. So wirken sie in ihrem vollendeten Erscheinungsbild beinahe mathematisch (Vitrine, → 9; Raum A).
In der Malerei steht dann die Entscheidung der Farbwahl im Vordergrund, die den Ausdruck des Bildes unterstreicht. Dies wird vor allem in den Acryllackbildern ersichtlich (Ohne Titel, 2020, → 10). Aber auch die Landschaftsstudien zeigen wie überlegt der Künstler seine Landschaften plant. So weisen sie zum Beispiel immer eine ähnliche Anzahl an verschiedenen Farbnuancen auf.
Albrecht Schnider
Acryllackbilder auf Rohleinwand (Raum B, G)
Ein Charakteristikum in Albrecht Schniders Werken ist die Leere, die seine Kompositionen bestimmt und in den freigelassenen Bereichen, aber auch in der Unbestimmtheit der wie gedruckt erscheinenden Farbflächen zum Ausdruck kommt.
Der Künstler setzt sich auf diese Weise mit der Schwierigkeit des Bildermachens und der Thematik auseinander, was ein Bild überhaupt ist. Die leere Leinwand als Ausgangspunkt aller Werke tritt hier als Subjekt in Erscheinung, welches nach dem Sinn und der Notwendigkeit eines jeden Pinselstriches fragt. Gleichzeitig lässt Schnider aber auch Raum für Reflexionen und fordert die Rezipient*innen in Anbetracht der ihnen entgegenspringenden Leere dazu auf, die Leinwand mit eigenen Gedanken, Vorstellungen und Assoziationen zu füllen. Der Kontrast zwischen der glatten Farbfläche und dem rauen Leinen erzeugt eine augenscheinliche Spannung, sodass zuweilen der Eindruck erweckt wird, als würden die gemalten Felder vor der Leinwand schweben und einen zweiten Bildraum eröffnen (Ohne Titel (Anselm), 2020).
Mal erscheint die rohe Leinwand als Hintergrund, mal springt uns die Struktur des Leinens regelrecht entgegen oder integriert sich in das Bildmotiv. Das Wechselspiel von Vorder- und Hintergrund, Farbe und Leinwand, Form und Leere, lässt die statisch wirkenden Gebilde vor dem geistigen Auge der Betrachtenden zu lebendigen Objekten werden. Dies wird besonders bei dem Werk «Ohne Titel (E), 2020») deutlich. Zweifelsohne erkennen wir in manchen Bildern – trotz ihrer abstrakten Erscheinungsweise – Figuren, Tiere, Buchstaben oder Zahlen. Durch Farbgebung und mitunter im Bildtitel gibt Schnider vage Hinweise, die das Erkennen von vertrauten Motiven begünstigen (Ohne Titel (Selbst), 2020; Ohne Titel, 2020).
NATUR VERSUS KULTUR (Raum F)
Die grossformatige Arbeit My Life in the Woods (after Bellini’s St. Francis in the Desert) (2018) besteht aus zwölf Leinwänden mit jeweils einer Zeichnung: Zu sehen sind ein Stern, ein Adler, die gesprayte Zahl 187, ein Handabdruck oder eine Art Flugobjekt. Den urbanen Lebensraum als Teil der heutigen Landschaft verstehend, sammelte Fägerskiöld Zeichen und Symbole, denen er in seinem täglichen Bewegungsspielraum zwischen Wohnung und Atelier immer wieder begegnet und dadurch Bedeutung verleiht.
In Beziehung zueinander entwickeln sie ein Narrativ, das auf die persönliche Wahrnehmung von Landschaft aus der Perspektive ihres Sammlers verweist. Auch verweist Fägerskiöld auf das Buch Walden oder Leben in Wäldern des amerikanischen Schriftstellers und Philosophen Henry David Thoreau (1817–1862) und dessen nicht lineare Erzählweise. Gleichzeitig zitiert er das Werk Der heilige Franziskus in der Wüste (ca. 1476–1478) des venezianischen Malers Giovanni Bellini (um 1430/35–1516). Ihnen gemeinsam ist das zurückgezogene Dasein eines Menschen in der Wildnis und die damit einhergehende Unterscheidung zwischen Zivilisation und Natur.
Albrecht Schnider
Studien und Zeichnungen (Raum A, H, G)
Die Relation von Zeichnung und Malerei ist für Albrecht Schnider von grosser Bedeutung. Seine Studienhefte, -bücher und -kartone erscheinen wie gezeichnete Gedanken und bilden den Schlüssel zu seinen Werken. Somit ermöglichen sie eine vertiefte Auseinandersetzung mit seiner Kunst. «Es geht nicht darum, einen Gedanken zu verwirklichen oder eine präzise Form zu realisieren, die man in sich trägt... Es geht wirklich nur darum, offen zu sein und bereit zu sein, ‹ja› zu sagen, wenn eine Form auftaucht.»
Die Aussage des Künstlers verdeutlicht, dass virtuose Zusammenspiel von Zufall, Intuition und Konstruktion (s. Acryllackbilder auf Rohleinwand). Die Verwendung und Bearbeitung einer zufällig auftretenden Form – das Erschaffen eines Bildes aus einer unbestimmten Linie, welches auch als die Beseelung eines Augenblicks umschrieben werden kann – erfordert ein höchst aufgeschlossenes und sensibilisiertes Wahrnehmungsempfinden. Für Schnider, der stets auf der Suche nach dem einen Moment ist, in dem das Bild «zurückschaut» und etwas auszulösen vermag, stellen die Zeichnungen den Fund der Komposition, die Erscheinung des späteren Bildes, dar. Dieser Fund kann nur durch Wiederholung und Zufall entstehen. Eine Ausnahme bildet das zeichnerische Werk zum Thema Landschaft. Das umfangreiche Studienmaterial umfasst erste skizzenhafte Entwürfe, die immer präziser ausgearbeitet werden und letztendlich als genaue Vorlage für die Umsetzung dienen. So wirken sie in ihrem vollendeten Erscheinungsbild beinahe mathematisch (Vitrine, Raum A).
In der Malerei steht dann die Entscheidung der Farbwahl im Vordergrund, die den Ausdruck des Bildes unterstreicht. Dies wird vor allem in den Acryllackbildern ersichtlich (Ohne Titel, 2020). Aber auch die Landschaftsstudien zeigen wie überlegt der Künstler seine Landschaften plant. So weisen sie zum Beispiel immer eine ähnliche Anzahl an verschiedenen Farbnuancen auf.
LANDSCHAFTEN (RAUM C)
Schniders Landschaftsbilder sind von Widersprüchen durchzogen. Die grünen Hügel und Berge können überall und nirgends sein – jegliches natürliche Charakteristikum, welches auf eine spezifische Landschaft schliessen lässt, bleibt den Betrachtenden verwehrt. Sind es Wiesen oder Wälder, die die sanften Bergrücken überziehen? Die Unbestimmtheit der Landschaft suggeriert den Anschein eines verschwommenen Blickes. Und doch sind da diese klaren, bis zur Perfektion ausgearbeiteten Linien, die Fläche um Fläche umreissen, voneinander abgrenzen und dadurch die Landschaft Baustein für Baustein entstehen lassen. Wie kann eine Landschaft so heimisch und fremd zugleich erscheinen?
Die immergrünen Höhenzüge kennen weder Jahresnoch Tageszeit. Lediglich die in zarte Violett-Töne getauchten Bergkuppen am Horizont mögen uns an die Existenz der Sonne und den Übergang zwischen Tag und Nacht erinnern. Die Betrachtenden werden regelrecht in diese unerklärliche Helle hineingezogen – in die Auflösung, in das Nichts, das den Eindruck von Unendlichkeit vermittelt. Das satte, strotzende Grün kontrastiert mit der augenscheinlichen Verlassenheit und Leere der Landschaft. Man fühlt sich ungewohnt verloren, wie allein zurückgelassen – so stellt sich einerseits Unbehagen und Besorgnis ein, andererseits evoziert Schniders Naturdarstellung aber auch das beruhigende Gefühl von Geborgenheit und Idylle. Dennoch bleibt das Verhältnis des Künstlers zum Bildmotiv immer abstrakt. Seine Landschaften treten als Erinnerungsbilder in Erscheinung, welche die Vagheit des Zurückblickens und den damit verbundenen neutralen Blick verdeutlichen.
Der Titel der Ausstellung Entwegte Landschaft umschreibt deren zeitloses Auftreten auf eindrucksvolle Weise. Man findet keinen Weg in sie hinein, man schwebt vielmehr über dieser unrealen, gar übersinnlichen Landschaft und lässt sich eher von ihr umhüllen als sie zu begehen. Auf diese Weise erscheinen die Bilder, trotz ihres demonstrativ ausschnitthaften Charakters, grenzenlos und vollkommen. Das Wort «entwegt» verdeutlicht den Eindruck der unberührten Landschaft, die weder Wege noch Pinselspuren aufweist und spielt zudem durch seine Wortherkunft (ursprünglich schweizerisch) leise, aber unverkennbar auf das «Heimkommen» des Künstlers in die Schweiz an.
ALBRECHT SCHNIDER
ENTWEGTE LANDSCHAFTEN
Albrecht Schnider lebt heute in Hilterfingen bei Thun.
Vorher war er lange Zeit im Ausland (Italien, Brüssel, Berlin).
Das Thema Land-schaft ist wichtig in seinem Werk.
Er malte viele Bilder extra für die Ausstellung.
PAUL FÄGERSKIÖLD
BLUE MARBLE
Paul Fägerskiöld ist ein Künstler aus Schweden.
Er lebt in der Haupt-stadt Stock-holm.
Die Kunst-werke sind zum Thema Land-schaft ausgewählt.
Wir denken vielleicht an Bilder von grünen Wiesen, Bergen und Tieren.
Doch Paul Fägerskiöld interessiert mehr:
Stadt, Länder, Himmel und die ganze Welt.
Der Künstler weiss:
Der Mensch beherrscht heute überall die Natur.
Paul Fägerskiöld – Blue Marble
Einleitung
Paul Fägerskiöld ist ein Künstler aus Schweden.
Er lebt in der Haupt-stadt Stock-holm.
Die Kunst-werke sind zum Thema Land-schaft ausgewählt.
Wir denken vielleicht an Bilder von grünen Wiesen, Bergen und Tieren.
Doch Paul Fägerskiöld interessiert mehr:
Stadt, Länder, Himmel und die ganze Welt.
Der Künstler weiss:
Der Mensch beherrscht heute überall die Natur.
Albrecht Schnider
Raum A
Acryl-lack-bild auf Lein-wand
Acryl-lack ist eine besondere Farbe.
Die Farbe glänzt.
Die Farbe trocknet schnell.
Sie ist nach dem Trocknen wasserfest.
Beim Malen verschwindet die Leinwand.
Sie wird ganz mit Farbe bedeckt.
Entwürfe für Land-schaften
Die Zeichnungen sind auf Karton.
Sie dienen als Vor-lagen für Bilder.
Wir sehen gerade Striche mit Blei-stift.
Alles ist genau geplant.
Auch die Wahl der Farben.
Albrecht Schnider
Raum H
Zeichnungen
Der Künstler findet eine Form.
Er macht eine Zeichnung.
Er füllt viele Zeichen-hefte.
Albrecht Schnider
Raum C
Land-schaften
Die Land-schaften sind wie eine Erinnerung.
Sie sind ohne Details.
Man sieht keinen Baum.
Man sieht keinen Mensch und kein Tier.
Sie sind leer und verlassen.
Dunkle Flächen sind im Schatten.
Die hellen Grün-töne zeigen Sonne.
Die sanften Hügel wirken grenzen-los.
Doch wir sehen keine Wege,
die uns ins Bild führen.
Es ist eine ent-wegte Landschaft.
Das ist der Titel der Ausstellung.
Albrecht Schnider
Raum G
Acryl-lack-bild
Es sind nur Flächen in Schwarz, Weiss und Grau.
Sie springen vor und zurück.
Die runden Linien machen das Bild bewegter.
Entwürfe
Die Zeichnungen auf Karton sind Vor-lagen.
Mit dem Holz-rahmen werden sie zu Bildern.
29. MAI bis
15. AUGUST 2021
Albrecht Schnider – Entwegte Landschaft
Einleitung
Das Kunstmuseum Thun zeigt mit dem Künstler Albrecht Schnider (* 1958 in Luzern, lebt und arbeitet in Hilterfingen bei Thun) einen der wichtigen Protagonisten der Schweizer Malerei.
Die Einzelausstellung präsentiert primär neue, zum Teil explizit für die Schau geschaffene Werke. Die Auswahl von figürlichen und landschaftlichen Motiven vermittelt als konzentriertes und dialogisches Ensemble einen Überblick über das aktuelle Schaffen des Künstlers.
Dabei wird ein besonderer Fokus auf das Thema der Landschaft gelegt – ein Motiv, auf das Schnider immer wieder zurückgreift und welches in Anbetracht seiner Rückkehr in die Schweiz im Frühjahr 2018 neu beleuchtet wird.
ALBRECHT SCHNIDER, ENTWEGTE LANDSCHAFT
PAUL FÄGERSKIÖLD, BLUE MARBLE
Albrecht Schnider – Entwegte Landschaft
Einleitung
Albrecht Schnider lebt heute in Hilterfingen bei Thun.
Vorher war er lange Zeit im Ausland (Italien, Brüssel, Berlin).
Das Thema Land-schaft ist wichtig in seinem Werk.
Er malte viele Bilder extra für die Ausstellung.
ALBRECHT SCHNIDER
ENTWEGTE LANDSCHAFT
Albrecht Schnider (*1958, Luzern) ist vor zwei Jahren aus Berlin nach Hilterfingen, dem Heimatort seiner Frau, in die Schweiz zurückgekehrt. Dieses «Heimkommen» spiegelt sich in seinem neueren Schaffen und stellt das Thema Landschaft in den Vordergrund. Die Auswahl von figürlichen und landschaftlichen Motiven vermittelt als konzentriertes und dialogisches Ensemble einen Überblick über das aktuelle Schaffen Schniders, der zu den wichtigen Protagonisten der Schweizer Malerei gehört.
PAUL FÄGERSKIÖLD
BLUE MARBLE
Die erste Museumsausstellung des schwedischen Künstlers (*1982 in Stockholm) in der Schweiz konzentriert sich auf sein malerisches Œuvre der letzten Jahre. Fägerskiölds künstlerische Sprache, die sich in der Tradition der Landschaftsmalerei verortet, geht zurück auf aktuelle tiefgründige Fragen zur Menschheit und ihrer Rolle im Universum. So realisierte er jüngst die dichte monochrom gemalte Serie Starry Night, die einerseits auf eines der wichtigsten Bilder Van Goghs, Starry Night, anspielt, das anlässlich seines Aufenthaltes in der Nervenheilanstalt 1889 entstand und andrerseits auf die gleichnamige Astronomie Software anspielt. Dieses Programm macht es u.a. möglich, in Zeitraffer ein Bild des Firmamentes zurzeit Christi Geburt oder in der Zukunft zu errechnen und anzuzeigen. Mit diesem Programm antizipiert Fägerskiöld in einer Arbeit Stockholms Sternenhimmel in 10’000 Jahren und zeigt ein Bild des Firmamentes, das jegliche menschliche Vorstellung übertrifft.
Albrecht Schnider
Raum B
Beim Malen verschwindet die Leinwand.
Sie wird ganz mit Farbe bedeckt.
Nicht so bei Albrecht Schnider.
Er malt mit Farbe und mit Leere.
Wir sehen viele Gegen-sätze.
Die farbigen Flächen sind glatt.
Die Lein-wand ist aber rau.
Im Vorder-grund ist die Farbe.
Im Hinter-grund ist die graue Lein-wand.
Die Formen sind oft abstrakt*.
Doch manch-mal er-kennen wir etwas.
Zum Beispiel einen Vogel oder ein Gesicht.
Viele Bilder sind ohne Titel.
Einige Titel haben einen Vermerk.
Zum Beispiel das Bild Ohne Titel (Selbst).
Es ist ein Selbst-portrait.
*abstrakt
Ein abstraktes Bild zeigt nur Farben und Formen.
Wir erkennen nichts von der sicht-baren Welt.
Alles ist Fantasie.
SPIRIT IN THE SKY (RAUM F)
Aufmerksame Beobachter*innen werden das abgebildete Symbol wiedererkennen. Situiert in der Mitte einer farbigen Fläche erscheint die grafische Umsetzung des Modells Northrop B-2 Spirit: ein strategischer Bomber und wohl das bisher teuerste Kampfflugzeug der Welt, dessen Konstruktion dermassen optimiert ist, dass es – wie ein Geist (Deutsch für «Spirit») – in der Luft nur sehr schwer entdeckt und bekämpft werden kann.
Spirit in the Sky ist zugleich der Songtitel (1969) des US-amerikanischen Musikers Norman Greenbaum. Während Greenbaum die Hoffnung besingt, nach seinem Ableben in den Himmel aufgenommen zu werden, steht Northrop B-2 für eine menschengemachte, tödliche Flugmaschine. Dieses unbehagliche Feld von Assoziationen wird durch den schiefen Bildhorizont verstärkt – analog zum Indikator des digitalen Sterbens in Computerspielen.
NATUR VERSUS KULTUR (Raum F)
Die grossformatige Arbeit My Life in the Woods (after Bellini’s St. Francis in the Desert) (2018) besteht aus zwölf Leinwänden mit jeweils einer Zeichnung: Zu sehen sind ein Stern, ein Adler, die gesprayte Zahl 187, ein Handabdruck oder eine Art Flugobjekt. Den urbanen Lebensraum als Teil der heutigen Landschaft verstehend, sammelte Fägerskiöld Zeichen und Symbole, denen er in seinem täglichen Bewegungsspielraum zwischen Wohnung und Atelier immer wieder begegnet und dadurch Bedeutung verleiht.
In Beziehung zueinander entwickeln sie ein Narrativ, das auf die persönliche Wahrnehmung von Landschaft aus der Perspektive ihres Sammlers verweist. Auch verweist Fägerskiöld auf das Buch Walden oder Leben in Wäldern des amerikanischen Schriftstellers und Philosophen Henry David Thoreau (1817–1862) und dessen nicht lineare Erzählweise. Gleichzeitig zitiert er das Werk Der heilige Franziskus in der Wüste (ca. 1476–1478) des venezianischen Malers Giovanni Bellini (um 1430/35–1516). Ihnen gemeinsam ist das zurückgezogene Dasein eines Menschen in der Wildnis und die damit einhergehende Unterscheidung zwischen Zivilisation und Natur.
SPRAYBILDER (RAUM E)
Die aus der Entfernung grau glänzend erscheinenden Gemälde gewinnen erst bei genauerer Betrachtung an Lebendigkeit. Sie bestehen aus unzähligen blauen, roten und grünen Punkten, die mit den Bewegungen der Betrachter*innen in Beziehung stehen. Innerhalb der Werkgruppe versinnbildlichen die Punkte die Vielfalt der Existenz, die wir erst durch das Herauszoomen erfassen und überblicken können. Während wir Zeit in Form von Bewegungsabläufen konstruieren, vermag eine solche Aussenperspektive gar einen Moment der Zeitlosigkeit zu schaffen.
Darüber hinaus verweist der Titel auf das Sachbuch Silent Spring (dt. Der stumme Frühling) der US-amerikanischen Biologin und Wissenschaftsjournalistin Rachel Louise Carson (1907–1964). Dieses einflussreiche Werk, in dem sie den Einsatz von Pestiziden kritisiert, der weite Teile der Tier- und Pflanzenwelt zerstört hat, wird als Ausgangspunkt der weltweiten Umweltbewegung angesehen. Carson zeigt auf, dass das menschliche Eingreifen in die Natur zu unüberschaubaren Kettenreaktionen geführt hat. Analog dazu führt die Spraytechnik in Fägerskiölds Gemälden zu einer solchen Verdichtung, dass die darunterliegenden Schichten nicht mehr erkennbar sind.
STERNENHIMMEL (RAUM F)
Mit Hilfe der Software «Starry Night» berechnet Fägerskiöld vergangene, zukünftige und fingierte Ansichten des Sternenhimmels. Sie zeigen Blickwinkel, die für den Künstler von Relevanz sind.
Dazu gehört die Abbildung seiner Geburtsstadt Stockholm. Stockholm. 1st January 100 000. North (2020) und Stockholm. 1st January 100 000. South (2020) stellen fiktionale Ansichten dar, die wir niemals selbst erleben werden, noch können wir erahnen, wie sich die Erfahrung in 97’979 Jahren niederschlagen wird. Inspiration findet Fägerskiöld in den Stockholmer Stadtansichten des schwedischen Malers Eugène Fredrik Jansson (1862–1915). Auf dessen bekanntestem Werk Riddarfjärden i Stockholm (1898) befindet sich am Horizont eine rote Linie, der nachgesagt wird, dass sie den Betrachter*innen einen Blick in die Ewigkeit gewährt.
Für den Künstler bieten die Sternenhimmel zudem die naheliegendste Möglichkeit, um mit Künstler*innen oder Autor*innen in Dialog zu treten. Davon zeugt Monastery of Saint-Paul de Mausole, Saint-Rémy-de-Provence. Night between 17–18th June 1889. View east-southeast (2020) als Paraphrase einer der wichtigsten Arbeiten Vincent van Goghs (1853–1890). Das Werk trägt – wie könnte es anders sein – den Titel Starry Night und zeigt den Blick aus dem Fenster des Sanatoriums, in dem sich der niederländische Maler 1889 aufhielt.
BIOGRAFIE
Paul Fägerskiöld ist 1982 in Stockholm geboren, wo er zurzeit lebt und arbeitet. 2010 schloss er sein Studium an der Royal Art Academy mit einem zweijährigen Austauschprogramm an der Akademie der bildenden Künste in Wien ab. Einzelausstellungen umfassen u. a. Galerie Nordenhake, Stockholm und Mexico City (2020), Peter Blum Gallery, New York und Borås Konstmuseum, Borås (2019) sowie Jönköping County Museum, Jönköping und Prince Eugen´s Waldermarsudde, Stockholm (2018). Seine Werke wurden in mehreren Gruppenausstellungen in Europa und Indien gezeigt. 2018 erhielt er den Åke Andrén Foundation’s Art Grant, 2015 The Swedish Art Grants Committee Working Grant, 2013 wurde sein Werk mit dem Fredrik Roos Award ausgezeichnet. Zur Ausstellung erscheint eine Publikation (DE / EN) mit Beiträgen von Helen Hirsch, Katrin Sperry und John Tremblay, herausgegeben vom Kunstmuseum Thun und dem Verlag für moderne Kunst.
THE GREATEST STORY EVER TOLD (RAUM F)
Das monumentale Triptychon verbindet die Werkgruppen der Ausstellung miteinander und bezieht sich sowohl auf die Landschaftsdarstellung als auch auf den Sprachgebrauch. Der Titel lässt sich folgendermassen entschlüsseln:
THE = die Spezifizierung eines gewissen Etwas
GREATEST = etwas in Relation zu etwas anderem sehen und bewerten oder Grundlage von nationalem Denken
STORY = eine fiktionale Geschichte
EVER = ein abgestecktes Zeitfenster
TOLD = der Akt des Erzählens.
Gleichzeitig referiert er auf den US-amerikanischen Monumentalfilm Die grösste Geschichte aller Zeiten (1965) von George Stevens, der die Geschichte von Jesus von Nazareth erzählt. In seinen Dimensionen lehnt es sich an das traditionelle Filmformat an. Wie drei grosse Leinwände, die als Ouvertüre, Pause und Ende gelesen werden können, zeigen sie unterschiedliche Perspektiven auf.
Das Gemälde zur Linken gibt den Blick in den Himmel frei. Gleichzeitig verweist die Anordnung der Sterne auf die Struktur der amerikanischen Flagge und nimmt damit Bezug auf die gegenüberliegenden weissen Fahnen. Das mittlere deutet auf die Sonne hin, um die sich alles dreht.
Das rechte Bild führt den Blick zurück auf die Erdkugel und verweist wiederum auf den Ausstellungstitel Blue Marble: den Namen jener Fotografie, die uns Menschen um 1972 erstmals eine distanzierte Perspektive auf die Erdkugel gewährte und damit ihre verwundbare Schönheit offenbarte.
Dieser gewaltige Sichtwechsel erlaubte uns, neue Perspektiven einzunehmen und Gegebenes zu hinterfragen.
WEISSE FAHNEN (RAUM G)
Sinnbildlich für Heimat oder Vaterland stehend, bringtder Landschaftsbegriff auch eine patriotische Gesinnung zum Ausdruck, die in den weissen Flaggen (2016 – fortlaufend) erkennbar wird. Durch die monochrome Darstellungdurchbricht Fägerskiöld deren Referenzsysteme. Was passiert, wenn die Flaggen dem Zweck der visuellen Übertragungvon Information über die Distanz enthoben werden? Nicht die Abbildung von Landschaft steht hier im Zentrum, sondern das Nachdenken darüber, wie wir mit Hilfe von Sprache und Bildgebung Landschaft als Lebensraum kreieren.
DIPTYCHON (RAUM D)
Die ausgestellten Arbeiten, die in ihrem Aufbau an Diptychen erinnern, lehnen sich an das Gemälde Impression, Sonnenaufgang (1872) des französischen Malers Claude Monet (1840–1926) an. Dieses bildet einen Hafen ab, während sich die Sonne orange im Wasser spiegelt. Bei diesem vorwiegend in Violett und Blau gehaltenen Bild verzichtete Monet auf Komposition und räumliche Wirkung und konzentrierte sich auf die unverfälschte Wiedergabe eines atmosphärischen Eindrucks. Fägerskiöld übernimmt die dualistische Beziehung von Sonne und Spiegelung auf flachem Grund. Auf die grafischen Elemente reduziert und nebeneinander gehängt entwickeln sie beinahe eine eigene Zeichensprache.
BIOGRAFIE
Albrecht Schnider (*1958 in Luzern, lebt in Hilterfingen bei Thun und arbeitet in Hilterfingen und Zürich) wuchs in Sörenberg auf. Nach dem Studium an der Schule für Gestaltung und der Universität Bern 1982–1987, folgten längere Aufenthalte in Follonica (1989–1990), Rom und Florenz (1990–1992; Membro dell’ Istituto Svizzero) sowie Brüssel (1992–1998). 1998 zog er nach Berlin, wo er bis zu seiner Rückkehr in die Schweiz im Frühjahr 2018 lebte. Seit 2005 ist Schnider zudem als Dozent für Malerei an der Hochschule der Künste Bern (HKB) tätig.
Der Künstler erhielt zahlreiche Auszeichnungen und Stipendien und ist in renommierten Galerien im In- und Ausland vertreten. Seine Werke wurden bereits in zahlreichen internationalen Einzel- sowie Gruppenausstellungen gezeigt und sind in vielen namhaften Kunstsammlungen gegenwärtig.
Zur Ausstellung erscheint die Publikation: Albrecht Schnider. Entwegte Landschaft, Kunstmuseum Thun (Hg.), mit einem Vorwort von Helen Hirsch und Texten von Angelika Affentranger-Kirchrath und Susanna Koeberle, Edizioni Periferia, Sarnen 2021. ISBN 978-3-907205-24-2
Weisse Fahnen (RAUM G)
Ein Land besteht aus Land-schaften.
Jedes Land gibt sich eine Fahne.
Paul Fägerskiöld malt viele Fahnen.
Er lässt die Farben weg.
Alle sind weiss.
Und doch sind alle anders.
Wir sehen Zeichen.
Zum Beispiel eine Sonne oder einen Hammer.
Welche Zeichen passen zu unserem Land?
Spray-bilder (RAUM E)
Zuerst sehen wir Grau.
Wir treten näher.
Viele Punkte tauchen auf.
Viele Punkte heisst Viel-falt.
Unser Leben ist Viel-falt.
Ohne Viel-falt leidet die Natur.
Der Mensch greift ein.
Alles gerät ausser Kontrolle.
Unsere Umwelt hat Probleme.
Nicht alles ist sicht-bar
wie die Spray-schichten.
Eine Schicht wird von der nächsten Schicht verdeckt.
The Greatest Story Ever Told (RAUM F)
Der Titel heisst:
Die grösste Geschichte, die je erzählt wurde.
Was kann das sein?
Es ist die ganze Welt.
Links sehen wir in den Himmel.
In der Mitte ist die Sonne.
Alles dreht sich um die Sonne.
Rechts sind wir im Welt-raum.
Es ist der Blick zurück auf die Erde.
Dieses Bild gibt der Ausstellung ihren Titel:
Blue Marble.
Das heisst: Blauer Marmor.
Das ist der Titel einer besonderen Foto-grafie.
Das Foto entstand 1972.
Menschen flogen ins All
und fotografierten die Erde.
Sie sieht aus wie blauer Marmor.
Sternen-himmel (RAUM F)
Wir sehen Sternen-himmel.
Der Künstler benutzt ein Computer-programm für diese Bilder.
Das Programm be-rechnet jeden Sternen-himmel.
Egal ob in der Vergangen-heit oder in der Zukunft.
Und überall auf der Welt.
Der Künstler malt verschiedene Sternen-himmel.
Zum Beispiel Stockholm in vielen Jahren.
My life in the woods (RAUM F)
Der Titel sagt:
Mein Leben im Wald.
Das bedeutet eigentlich ein Leben in der Wildnis.
Doch der Künstler lebt in der Stadt.
Er sammelt Zeichen auf dem Weg ins Atelier.
Zum Beispiel ein Adler oder ein Mensch mit Esel
Was ist eine Land-schaft?
Der Künstler sieht Land-schaft auch in der Stadt.
Spirit in the sky (Raum F)
Der Titel bedeutet: ein Geist im Himmel.
Hier hat der Geist die Form von einem Kampf-flug-zeug.
Sein Name ist Spirit.
Das Kampf-flug-zeug kann schwer ent-deckt werden.
Das Flugzeug ist als abstrakte* Form gemalt.
Mit den bunten Farben gibt es eine neue Be-deutung.
*abstrakt
Ein abstraktes Bild zeigt nur Farben und Formen.
AUSSTELLUNG
Direktorin und Kuratorin: Helen Hirsch
Ausstellungsorganisation: Alisa Klay
Administration: Marianne Lutz
Finanzen: Tanja Hählen
Kommunikation: Matthias Schweizer
Kunstvermittlung: Saba Bach, Regula Brassel, Elisa Dauber, Gabi Moshammer, Olivia Notaro, Anna-Lisa Schneeberger
Ausstellungsaufbau: Renato Grob, Kathrin Hofmann, Marius Lüscher, Dan Reusser, Mirjam Sieber, Till Spinnler und Team,
Simon Stalder, Henry Thomet, Daniel Wettstein und Team, Patrizia Zeppetella
Grafikdesign: Bonsma & Reist
Mit grosszügiger Unterstützung von:
Stadt Thun
Amt für Kultur Kanton Bern
Regionale Kulturkonferenz Thun
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Technischer Kontakt Virtueller Rundgang :
Martin Schlichenmayer, Thunstrasse 27, 3074 Muri b. Bern
+41 76 803 23 89 / martin@schlichenmayer.ch
im Auftrag von :
Kunstmuseum Thun, Hofstettenstrasse 14, 3602 Thun
Vertretungsberechtigte Person: Helen Hirsch, Direktorin
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RAUM B
Beim Malen verschwindet die Leinwand.
Sie wird ganz mit Farbe bedeckt.
Nicht so bei Albrecht Schnider.
Er malt mit Farbe und mit Leere.
Wir sehen viele Gegen-sätze.
Die farbigen Flächen sind glatt.
Die Lein-wand ist aber rau.
Im Vorder-grund ist die Farbe.
Im Hinter-grund ist die graue Lein-wand.
Die Formen sind oft abstrakt*.
Doch manch-mal er-kennen wir etwas.
Zum Beispiel einen Vogel oder ein Gesicht.
Viele Bilder sind ohne Titel.
Einige Titel haben einen Vermerk.
Zum Beispiel das Bild Ohne Titel (Selbst).
Es ist ein Selbst-portrait.
*abstrakt
Ein abstraktes Bild zeigt nur Farben und Formen.
Wir erkennen nichts von der sicht-baren Welt.
Alles ist Fantasie.
RAUM H
Zeichnungen
Der Künstler findet eine Form.
Er macht eine Zeichnung.
Er füllt viele Zeichen-hefte.
Einleitung
Albrecht Schnider lebt heute in Hilterfingen bei Thun.
Vorher war er lange Zeit im Ausland (Italien, Brüssel, Berlin).
Das Thema Land-schaft ist wichtig in seinem Werk.
Er malte viele Bilder extra für die Ausstellung.
RAUM G
Acryl-lack-bild
Es sind nur Flächen in Schwarz, Weiss und Grau.
Sie springen vor und zurück.
Die runden Linien machen das Bild bewegter.
Entwürfe
Die Zeichnungen auf Karton sind Vor-lagen.
Mit dem Holz-rahmen werden sie zu Bildern.
RAUM C
Land-schaften
Die Land-schaften sind wie eine Erinnerung.
Sie sind ohne Details.
Man sieht keinen Baum.
Man sieht keinen Mensch und kein Tier.
Sie sind leer und verlassen.
Dunkle Flächen sind im Schatten.
Die hellen Grün-töne zeigen Sonne.
Die sanften Hügel wirken grenzen-los.
Doch wir sehen keine Wege,
die uns ins Bild führen.
Es ist eine ent-wegte Landschaft.
Das ist der Titel der Ausstellung.
Acryl-lack-bild auf Lein-wand (Raum A)
Acryl-lack ist eine besondere Farbe.
Die Farbe glänzt.
Die Farbe trocknet schnell.
Sie ist nach dem Trocknen wasserfest.
Beim Malen verschwindet die Leinwand.
Sie wird ganz mit Farbe bedeckt.
Entwürfe für Land-schaften
Die Zeichnungen sind auf Karton.
Sie dienen als Vor-lagen für Bilder.
Wir sehen gerade Striche mit Blei-stift.
Alles ist genau geplant.
Auch die Wahl der Farben.
Spraybilder
Sechs Nahaufnahmen
Aus dem Saaltext: "Die aus der Entfernung grau glänzend erscheinenden Gemälde gewinnen erst bei genauerer Betrachtung an Lebendigkeit. Sie bestehen aus unzähligen blauen, roten und grünen Punkten, die mit den Bewegungen der Betrachter*innen in Beziehung stehen."
Wenn Sie auf diesen Text klicken, folgen, in einer kleinen Bilderschau, nun sechs Nahaufnahmen, die Sie in den Kosmos der grossen Bilder eintauchen lassen.
Die Bilder erscheinen in Folge automatisch und verschwinden nach dem letzten Bild wieder. Sie können jedoch auch abbrechen, indem Sie ausserhalb des Bildfensters klicken.
Viel Vergnügen
Willkommen zu dem virtuellen Rundgang unserer Ausstellungen
ALBRECHT SCHNIDER
ENTWEGTE LANDSCHAFT
und
PAUL FÄGERSKIÖLD
BLUE MARBLE
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Wir wünschen Ihnen viel Vergnügen und hoffen, Sie bald persönlich in unserem Museum begrüssen zu dürfen.
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PAUL FÄGERSKIÖLD
BLUE MARBLE
The first museum exhibition in Switzerland devoted to the Swedish artist (b. 1982 in Stockholm) focuses on his paintings from recent years. Fägerskiöld’s artistic language, rooted in the tradition of landscape painting, raises topical and profound questions about humanity and its role in the universe. A prime example is his recent Starry Night series of dense monochrome images that on the one hand allude to one of Vincent van Gogh’s most important paintings, made while he was in a mental hospital in 1889, and on the other hand to the eponymous astronomy software application. The software makes it possible, for example, to calculate and display in time lapse an image of the firmament at the time of Christ’s birth, or at some point in the future. Fägerskiöld used the program to forecast Stockholm’s starry sky 10,000 years from now, showing us a picture of the firmament that exceeds all human imagining.
ALBRECHT SCHNIDER
PATHLESS LANDSCAPE
Albrecht Schnider (b. 1958, Lucerne) returned from Berlin two years ago to settle down in Hilterfingen, Switzerland, his wife’s hometown. This “homecoming” is reflected in his more recent work, which focuses on landscape. In the exhibition, a concentrated ensemble of figurative and landscape motifs in dialogue gives viewers an overview of the current work of one of the major figures in contemporary Swiss painting.
ALBRECHT SCHNIDER
PATHLESS LANDSCAPE
Albrecht Schnider (b. 1958, Lucerne) returned from Berlin two years ago to settle down in Hilterfingen, Switzerland, his wife’s hometown. This “homecoming” is reflected in his more recent work, which focuses on landscape. In the exhibition, a concentrated ensemble of figurative and landscape motifs in dialogue gives viewers an overview of the current work of one of the major figures in contemporary Swiss painting.
PAUL FÄGERSKIÖLD
BLUE MARBLE
The first museum exhibition in Switzerland devoted to the Swedish artist (b. 1982 in Stockholm) focuses on his paintings from recent years. Fägerskiöld’s artistic language, rooted in the tradition of landscape painting, raises topical and profound questions about humanity and its role in the universe. A prime example is his recent Starry Night series of dense monochrome images that on the one hand allude to one of Vincent van Gogh’s most important paintings, made while he was in a mental hospital in 1889, and on the other hand to the eponymous astronomy software application. The software makes it possible, for example, to calculate and display in time lapse an image of the firmament at the time of Christ’s birth, or at some point in the future. Fägerskiöld used the program to forecast Stockholm’s starry sky 10,000 years from now, showing us a picture of the firmament that exceeds all human imagining.